Меню

Страна которая считается родиной поп арта популярного искусства



Поп-арт — китч или искусство? Как 33 банки супа вошли в историю

Поп-арт (pop art) — это стиль, перенёсший потребительскую культуру в область искусства и научивший человечество видеть прекрасное в тридцати трёх банках супа. Название «Поп-арт» происходит от английского popular art, что в переводе означает популярное искусство.

Поп-арт не стоит путать с массовой культурой. Авторы смотрели на масскульт как на объект, подобно тому, как портретист смотрит на модель или пейзажист — на лоно природы. Предмет масскульта, на который падал взгляд художника, трансформировался в нечто оригинальное: в арт-объект, преломлённый через художественный взгляд творца.

История стиля поп-арт

Поп-арт стал ответом на торжественное, всепобеждающее шествие потребительской культуры. Его хронологические рамки — 1950-1960-е годы. Именно в это время оформилось так называемое «общество потребления». Это был социологический и культурный феномен исторического значения: впервые за историю человечества самые широкие массы людей смогли не только забыть о голоде, но и свободно покупать одежду, предметы обстановки, технику, тратить деньги на отдых и развлечения…

Соединённые Штаты, которые заработали на Второй мировой, бум потребления накрыл особенно мощной волной. «Американская мечта» (по сути, национальный потребительский идеал) овладела массами. Неудивительно, что поп-арт получил наибольшее развитие именно в Америке.

Пика своего расцвета это направление достигло в сердце потребительской цивилизации — Соединённых Штатах, но зародился стиль в Великобритании. В начале 1950-х годов эта страна ещё не оправилась от последствий Второй мировой войны и жила небогато. Бросая взгляд за океан, британцы испытывали противоречивые чувства.

С одной стороны, они критично и насмешливо воспринимали американский масскульт, поскольку в рекламе, кинематографе, комиксах низкопробного и кичевого было гораздо больше, чем сделанного со вкусом. С другой стороны, любуясь на журнальный глянец заокеанской жизни, жители Великобритании тоже хотели приобщиться к этому обществу беззаботного потребления и невольно его идеализировали.

Вот на этой почве и возникло в Британии новое художественное направление. Точкой отсчёта считается 1952 год, в Лондоне возникло творческое объединение Independent Group (IG).

В середине 1950-х годов в Британии появился и термин pop art (кто был первым, употребившим это название, вопрос спорный). Но официально это название было закреплено в 1962 году на симпозиуме в Нью-Йоркском музее современного искусства.

В США новый стиль обрёл силу и размах. В отличие от британских художников, воспринимавших заокеанский масскульт со стороны, их американские коллеги жили внутри общества потребления, а потому в своём творчестве, чтобы дистанцироваться от развитой рекламной индустрии, использовали более яркие, смелые, агрессивные эффекты.

Ключевые художники поп-арта:

  • Энди Уорхол (Andy Warhol) — признанный лидер направления;
  • Дэвид Хокни (David Hockney) — один из лидеров в Британии;
  • нью-йоркский карикатуристКит Харинг (Keith Haring), испытавший сильное влияние граффити;
  • Джаспер Джонс (Jasper Johns), которого прославили «Числа в цвете»;
  • мастер комиксов Рой Фокс Лихтенштейн (Roy Fox Lichtenstein);
  • Мортон Уэйн Тибо (Morton Wayne Thiebaud), чьей визитной карточкой стали изображения всевозможных кондитерских изделий в разных контекстах.
Читайте также:  Показать свою популярность или вызвать ревность некоторые женщины просто

Художественные и концептуальные особенности поп-арта

С художественной точки зрения этот стиль апеллировал к вещности, предметности — в противоположность другому популярному направлению, абстракционизму. Поп-арт был рождён в борьбе с творчеством абстракционистов и провозгласил возвращение к отображению на полотне конкретных предметов.

Само по себе обращение к бытовым вещам не ново для истории живописи. Натюрморт — это ведь тоже взгляд художников на окружающие предметы. По сути, между вазой Караваджо и зелёными бутылками «Кока-Колы» Уорхола разница не так уж велика.

Но у поп-арта была своя концептуальная особенность: художники брали в качестве объектов знаковые предметы и образы масскульта, которые сейчас бы назвали «мэмами». Кроме того, они обращали внимание не только на предметы, но и на образы — типичным примером является «Диптих Мэрилин» Уорхола.

Некоторые мастера пошли ещё дальше. Они отражали в своих работах суть эпохи, включая её безликость, массовость, триумф супермаркетов.

Художественная призма, через которую преломлялись объекты, заинтересовавшие творцов, подразумевала:

  • помещение образов масскульта в новый контекст;
  • вычленение смыслового ядра и акцентирование внимания на характерных чертах;
  • смену масштаба;
  • доведение до максимума, до апофеоза типичных приёмов масскульта;
  • иронию;
  • создание коллажей из «мемов».

При этом стилистические особенности работ теснейшим образом переплетаются с масскультом. Форма подчёркивала содержание. Художники намеренно:

  • стилизовали свои работы под рекламу, афиши, плакаты, комиксы;
  • использовали яркие цвета;
  • вписывали в картины слоганы;
  • создавали коллажи из фотографических «срезов» реальности.

Насмешка над обществом потребления или культ американской мечты?

Поскольку форма плаката и коллажа получила широкое распространение в поп-арте, искусствоведы называют представителей этого направления наследниками дадаизма. Но, если дадаисты были нигилистами и подчёркивали бессмысленность современного им мира, то философия поп-арта была намного шире и включала много аспектов:

  • и отрицание серьёзности абстрактного искусства;
  • и противопоставление ему более лёгкого взгляда на жизнь и культуру;
  • и сатиру на потребительский идеал;
  • и утверждение образов масскульта;
  • и вычленение смысловых артефактов эпохи.

Некоторые пункты противоречат друг другу, что объясняется и разным подходом художников, и сложностью феномена массовой культуры. Некоторые авторы относились к теме с иронией и юмором, другие — как Энди Уорхол — были вполне серьёзны.

Отсюда и неоднозначное отношение критиков. Многие видели в работах художников завуалированную рекламу, обвиняли в вульгарности и прославлении культа потребительства.

Читайте также:  Список самого популярного фэнтези

Не стоит отрицать того факта, что поп-арт способствовал утверждению американской мечты, легитимации общества потребления и соответствующего стиля жизни. В то же время, он заложил основы критики философии потребления, которая впоследствии будет набирать силу. Помимо того:

  • поп-арт стал зеркалом эпохи;
  • оказал влияние на развитие рекламы, вписав её (по крайней мере, частично) в область искусства;
  • сделал кич (трэш) полноценным художественным инструментом;
  • подготовил почву для концептуализма и постмодернизма.

На сайте VeryImportantLot в разделе аукционов нередко появляются работы этого направления. Участвуя в онлайновых аукционах, вы тоже можете приобрести для своей коллекции картины, ставшие частью культурного наследия планеты.

Источник

Поп-арт

Фаст-фуд в искусстве?

Искусство потребления

После того , как Америка окончательно пришла в себя после Второй мировой войны , в стране начался мощнейший экономический подъем , что , в сочетании с прогрессом в области технологий и средств массовой информации , породило так называемую « культуру потребления». Культуру людей со стабильным высоким доходом и большим количеством свободного времени. Промышленность , расширившаяся и укрепившаяся за годы войны , теперь начала забрасывать массового потребителя самыми разнообразными продуктами , начиная от лаков для волос и стиральных машин , и заканчивая блестящими новенькими кабриолетами , которые , если верить рекламе , были материальным воплощением счастья. Существенной поддержкой для культуры потребления стало развитие телевидения и новые тенденции в печатной рекламе , где акцент стал делаться на графических изображениях и узнаваемых логотипах — брендах , которые сейчас в нашем визуально насыщенном мире воспринимаются как нечто , само собой разумеющееся.

Неслучайно поп-арт появился в Америке именно в это время. Следуя духу времени , новые художники презрели все стандарты современной американской живописи , опиравшиеся на абстракции как отображение универсальных истин и глубоких личных переживаний.

А как у них?

В отличие от процветающей Америки , Великобритания , где зародился поп-арт , тяжело переживала послевоенные годы. Можно сказать , что поп-арт обязан своим появлением завистливым взглядам через океан: на американскую массовую культуру , на идеализированные журнальные картинки беззаботной жизни общества потребления. Первыми к этим образам обратились художники из «Независимой группы», основанной в начале 1952 года. Они сформулировали и начали распространять большинство базовых идей британского поп-арта. Ведущими представителями « Независимой группы» были Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон , Джон МакХейл , сэр Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл. Считается , что первым определение « поп-арт» использовал художественный критик Лоуренс Аллоуэй , который тоже был членом « Независимой группы».

Одной из самых знаковых работ британского поп-арта считается знаменитый коллаж

Детище дадаизма

Наиболее яркие формы американского поп-арта:

— стилизованные репродукции комиксов Роя Лихтенштейна с использованием цветных точек и плоскостей , заполненных одним цветом;

— буквально « вырезанные» из реальности картины и шелкографии Энди Уорхола с изображениями банок супа , коробок с мылом и бутылок « Кока-колы»;

Читайте также:  Популярные телепередачи для подростков

— скульптуры Класа Олденбурга, увековечившие такие обыденные вещи , как сантехника , печатные машинки и гамбургеры;

— серия « Великие американские обнаженные» Тома Вессельмана, плоские и откровенные изображения безликих секс-символов;

— гипсовые человеческие фигуры Джорджа Сигала, перенесенные на улицы города или помещенные в привычное многим окружение , к примеру , автобус , найденный на свалке.

Ключевые моменты

1. Создавая картины и скульптуры , изображающие объекты массовой культуры и медиа-звезд , представители поп-арта стремились размыть границы между « высокой» и «низкой» культурой. Одной из важнейших характеристик поп-арта является концепция того , что в культуре не существует никакой иерархии , а искусство может питаться из любого источника.

2. Можно было бы сказать , что абстрактные экспрессионисты в своей работе опирались на душевные травмы , в то время как представители поп-арта искали выражение тех же травм в опосредованном мире рекламы , комиксов и поп-культуры в целом. Однако более точным было бы предположение , что поп-художники первыми поняли , что в принципе не существует непосредственного доступа к чему бы то ни было , будь то человеческая душа , природный мир или любая искусственная среда. Они верили , что все в мире взаимосвязано , и пытались воплотить эти связи в своих работах.

3. Несмотря на то , что поп-арт включает в себя широкий спектр работ , созданных под влиянием очень разных взглядов и позиций , большую часть из них характеризует некоторая эмоциональная отстраненность. В отличие от «горячей» экспрессии , свойственной предыдущему поколению , поп-арт отличает « прохладная» двойственность. Предметом долгих споров был вопрос о том , является ли это следствием принятия художниками поп-культуры , или же наоборот — ее отвержения.

4. На первый взгляд , представители поп-арта с энтузиазмом относились к новой поствоенной Америке с ее промышленным и медийным расцветом. Некоторые критики считали выбор поп-художниками тем для работы следствием восторженного одобрения капиталистического рынка и наводнивших его разнообразных товаров. В то же время другие искусствоведы считали превращение художниками повседневности в высокое искусство своего рода культурной критикой: создавая арт-объект на основе обыденного продукта массовой индустрии , они тем самым подчеркивали тенденцию превращения произведений искусства в товары.

5. Большинство представителей поп-арта начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером. Дизайнером же работал и Эд Рушей , а Джеймс Розенквист начинал с разрисовывания биллбордов. Благодаря этим первым шагам в искусстве художники получили мощное подспорье для дальнейшей работы , своего рода визуальный словарь массовой культуры , и приемы , позволявшие объединять сферы высокого искусства и поп-культуры.

Источник